美国舞台设计发展,比节目更吸引

文艺泛娱乐化、过于功利化的现象已经存在很长一段时间了:文艺创作、生产心态浮躁,急功近利;作品的现实主义精神和理想精神匮乏,缺乏人文内涵;文艺人才培养遭遇瓶颈;文艺工作者越来越现实,丧失理想追求,作品难以触及心灵。

图片 1

美国舞台美术的这四种风格――布景设计、现实主义、新舞台技术和建筑舞台美术――都仍然是21世纪采用的主要风格。各种各样的剧院新技术在不断的发展和应用,舞台设计师的不断创新让观众惊讶不已。既然美国有一个特点是不断接受新思想的冲击,我们可以期待美国的舞台设计在今后将继续不断的发展并影响整个世界。

面对正在恶化的文艺创作生态,指挥家谭利华、导演陈国星、作家李洱、词作家宋小明、画家梅墨生、电视编剧马继红、美术批评家陈履生以及学者黄会林、曾庆瑞、孟繁华等近百名人士,在北京市文联研究部和北京文艺评论家协会于近日举办的2011北京文艺座谈会上,查病症、提批评、谈对策,他们集体发声:让文艺回归心灵。

赵本山的小品令人遗憾。今年的春晚舞美令人惊叹。

从18世纪到20世纪,美国舞台的发展与政治、经济、科学、技术的发展齐头并进,同步发展,也正是在这段时间里美国从一个英国殖民地变成了现在强大的世界超级大国。所以你们也应该不会感到意外,美国舞台在18、19世纪引进并模仿了很多英国的舞台技术。只有在20世纪和21世纪,美国才开始发展它自己舞台技术,并创立了一种特殊的美国风格的舞台美术设计。有四种主要的舞台美术风格可以表现美国舞台的特色: 布景设计,现实主义, 新舞台技术,还有一个我把它叫做 建筑设计与演员/观众的关系,或者简单的叫做 建筑舞台美术。 前面两个――布景设计和现实主义――出现在18世纪和19世纪,受英国和欧洲的影响很深。但是,在20世纪的时候发展成为有美国特色的特殊风格,因此在今天的美国舞台和娱乐行业保持的 主要的是美国自己的艺术风格。美国奢华而又富含高科技的舞台布景通过像百老汇音乐剧这样的传达手段在全世界广泛传播。后面两种风格――新舞台技术和建筑舞台美术――是在20世纪出现的,是为了顺应编剧形式和非文本娱乐的潮流而出现的,也叫做表演艺术。虽然新舞台技术和建筑舞台美术都真实的体现了美国舞台艺术作为一种严肃的艺术形式,这并不是人人都知的艺术形式,所以也并不出名。但是要对美国舞台艺术从18世纪开始到今天的发展有一个全面的了解,我们必须弄懂这四种风格。在开始探索这四种风格之前,我们有必要先提到灯光设计技术在新的舞台美术形式发展过程中所担当的重要角色。18世纪早期气体灯光的发展使得19世纪舞台美术复杂的舞台布景和现实主义的特性得到发展。当时的气体灯光是舞台照明用的灯光也是可以控制的光源。20世纪之交,剧院电子灯光系统的安装完全永远的改变了舞台美术设计,这通常被认为是20世纪唯一一场真正的舞台革命。20世纪的灯光不仅仅是提供照明,它已经转换为舞台艺术有效的工具了。灯光画面和拥有灯光效果成为生动活泼的舞台场景的主要因素,并且成为20世纪越来越多人更普遍的选择。自从舞台场景的颜色、结构和整体效果在单场演出中能够通过简单的改变灯光而迅速、连续的改变以来,灯光也成为更多传统舞台改革的一个动力。在我个人作为舞台艺术系主任的工作来说,我对灯光设计比对具体场景的布置更感兴趣。给我一个立体结构的舞台,再配备多层次的演出空间和先进的灯光效果,我就会很高兴作为这个舞台的导演,真的。但是,我作为一个21世纪的导演,如果没有丰富的美国本土舞台艺术传统,我的个人审美观也就不会有现在这么好的发展。布景设计美国舞台最著名的也许是它的壮观的舞台美术,特别是通过很多百老汇音乐剧在全世界的传播,例如歌剧院的幽灵、西贡小姐、猫、悲惨世界、42街、俄克拉荷马,还有其他很多很多,我在这里讲都讲不完。虽然这些很多都是由英国和法国都作曲家和作词家的作品, 这些音乐作品经过包装和推广就成为美国独特的作品,通常舞台美术比音乐或者表演者本身更著名。然而,布景设计对于美国舞台来说并不陌生, 因为它从18世纪开始以来就已经成为我们舞台的一个重要部分。当英国的巡回演出公司到美国来演出的时候都会带来他们最新的潮流,早在1784年的时候就有一位法国的布景画家,叫Charles Busselotte的开始在美国工作。最早形式的舞台布景是由善于制作丰富着色背景幕的艺术家们创作的。Charles W. Witham是公认的美国第一个著名的土生土长的舞台布景艺术家,而且他的出名是因为他与一位人们认为的19世纪最著名的演员Edwin Booth通力合作。Booth于1869年在纽约城建了一个剧院,那是当时技术最先进、布置最豪华的剧院,而Witham是那家剧院的首席设计工程师。 [SLIDE] 这是一个侧面图,包括拱形舞台、侧包厢、观众席和布景,这些都是由Witham为Booth的开篇力作莎士比亚的罗密欧与朱丽叶而设计的。然而Booth是因为他扮演的哈姆雷特形象而著名。 [SLIDE],这个节目为他带来了全世界的掌声。[SLIDE] 这是一副水彩画,表现的是Witham 为Booth主演的作品哈姆雷特的第1幕,第2场的舞台设计。我们可以看到这是一副非常漂亮的画面,还有包厢布景的特色,这是19世纪中期起源于英国的一种非常受欢迎的新的舞台美术风格。Witham和一批能干的助手们在剧院特别设计的绘画室里面制作出了他那些漂亮的布景[SLIDE]。Witham绘出的这副水彩画,不仅体现了舞台结构上的美观,而且体现了这作为一个精心设计而创造了一个大型多样化的舞台布景。Booth的剧院和剧院先进的技术同样著名,该剧院可以容纳各种各样的机械设备来增强舞台效果。O.B. Bunce于1870年5月在Appletons Journal 期刊上发表了一篇文章,赞美舞台后台装备,附有这些图表。 [SLIDE] 这副图可以看到舞台底下有活板门的小房间和平台,这些东西是可以通过水压机来升降的布景设备,几乎没有任何声音而且升降的位置非常精确。 对于观众来说,这些道具的升起就像魔术一样,激起他们美的感观。[SLIDE] 这里图片里面的索具装配阁楼为我们展示了幕布的上面部分。 [SLIDE] 这张升降画布显示的位置是工人在适当的位置适当的时间利用平衡力系统提升和下降幕布的位置。Bunce 告诉我们这个升降画布是离舞台地面65英尺 [ 20 米],而且帮助提升道具的人的水压机是在他们的下面 95英尺[29米]的地方。 这种类型的剧院成为美国很多主要城市剧院的标准,而且今天仍然存在,虽然现在使用的是更精密的电脑化电力驱动系统来实现场景幕布的变化。随着19世纪中期的工业革命连续发明了更多先进的机械设备,剧院很快就结合使用这些先进的设备并非常骄傲的宣传他们的剧院正在使用的是最先进的技术来创造前所未有的令人惊异的壮观布景。Steele MacKaye,一位19世纪末期非常有才气的演员、剧作家、建筑师和发明家,在1879年开设了一家比Booth的剧院更加高科技的剧院,拥有一个像升降机一样的舞台。[SLIDE] 麦迪逊广场剧院,就是这个标有1880年的节目封面描写的这样,这个剧院是集中于更好的舞台布景。注意看一下在那个扩大了的舞台拱形墙里面的双舞台。两个舞台可以同时放到适当的位置或者在演出过程中通过舞台管理人员来改变,这都是得益于MacKaye升降舞台的发明。 [SLIDE] 如这副图所示。在这张图里面,演出正在舞台上进行中,而舞台管理人员正在忙着改变舞台上面的布景。一场演出或一幕戏完了的时候,幕布就可以暂时的降下来,只剩四个人在绞盘上升的位置,或者让一个节目正在舞台上演的时候在适当的位置放下有些幕布让下一个演出能够做好准备。根据一份很受欢迎的杂志Scientific American上面的一篇文章所述,这篇文章出版于1884年,文章说到 舞台就像电梯车箱一样以同样的方式上升和下降。这个巨大的电梯舞台通过一个轴上升和下降,离顶上到底下的高度是114英尺 [35米]。这个舞台就在一个紧凑的两层结构的铁制木头结构上升和下降,并且上面和下面都交织装有灯具吊架结构。提升或者下降舞台到适当的位置只需要大约40秒的时间,整个过程不会产生噪音、刺耳声或者振动,这是因为舞台的平衡性及其平衡力作用。 [SLIDE] 这些都是MacKaye对电梯舞台的设计图纸,他在1879年在美国专利局已申请专利。 布景设计是19世纪的美国剧院两大最流行的流派――情节剧和音乐剧,中主要的部分。情节剧,注重的是情感情节和完美的舞台效果,情节剧很快就应用了最新的技术来吸引观众的眼球。其中最著名的一场是在Dion Boucicault的非常受欢迎的戏剧,1857年的纽约的街道 The Streets of New York , [SLIDE] 那时候有一个大的经济公寓住宅在舞台上面着火被毁坏了。舞台景象通过场景画面、音响效果和灯光方面的新发展受到非常大的影响,气体热力特性的发展为舞台灯光亮度提供了统一整齐的控制,舞台上面采用了Drummond 或石灰灯,提供了第一个高亮度的有方向性的舞台照明――这就成为第一个聚光灯。在音乐剧方面,采用的技术能让歌舞团的女演员在舞台上空飞翔。 [SLIDE] 这副图描绘的一些女演员在音乐剧《恶骗子》里面表演空中芭蕾的场面,人们广泛认为这是美国音乐喜剧的开端。演出是在1866年9月开演的,连续演出了16个月的时间,通过壮观的舞台布景和舞蹈演员的性感穿着吸引着无数的观众。当时的一位评论家说: 布景很壮观,芭蕾舞很优美,而戏剧本身是垃圾。 但是,漂亮的空中飞行女演员的景观的出现主要是由于舞台新技术的应用,在1866年确实是一件很轰动的事。而这一年正是美国内战结束后的一年,当时的美国人只是想放松放松并在剧院节目中享受一下的时候。《恶骗子》 之后随之又出现了一系列同样类型的剧目,包括1899-1900的Ben-Hur ,这部音乐剧被认为是十九世纪舞台布景的顶峰。 [SLIDE] 这是楼座布景,[SLIDE] 这是过道布景。这部音乐剧有一段开场白、6幕、17场,第一幕就有14场。当时有一个评论员惊讶的说这台演出最重要的人员是现场布景的绘画师,因为没有他们,这场演出就不会有这么好的效果。当然,Spectacle成为美国剧院的舞台美术全世界都知是在20世纪和21世纪这段时间内。20世纪的老板和设计者很快引进了新的技术使得他们的演出更宏伟、更精细。[SLIDE] 设计师Joseph Urban和 舞台监督人员 Florenz Ziegfeld一起为一系列的音乐喜剧创造了五光十色的布景和服装,这些音乐喜剧也叫做 Ziegfeld Follies,在1907年到30年代中期每年一版连成了一套音乐喜剧。这是Urban对1916年Follies音乐剧开场剧的设计。他的布景的特色之处是舞台上五颜六色的生动的舞台图案,他采用了法国的点画法技术,典雅的灯光使得整个布景看上去微光闪烁。也许他对Ziegfeld最大的成就就是他为《表演船》这部音乐剧所设计的布景。 [SLIDE] 1927 年Jerome Kern -Oscar Hammerstein II 的音乐剧是真正的第一部具有美国特色和主题的美国音乐剧。Urban的布景设计,虽然也是非常奢侈的设计,他引进了现实主义,这是一种从意大利舞台布景技术引进过来的现实主义,这种风格完全占据了但是美国文化的新理念,后来成为20世纪中期美国音乐剧的典范。Shubert兄弟是20世纪最成功的剧院老板,在他们的高峰期,他们在全国拥有100多家剧院,并垄断了其他1000多家。他们模仿Ziegfeld创造了他们自己的系列音乐剧,也形成了一年一次的版本,叫做The Passing Show。 [SLIDE] 这些音乐剧在他们极度奢华的百老汇剧院登台上演,Winter Garden礼堂成为主要Shubert音乐剧上演的最重要的一个场所。 (例如,Cats 猫,就是在这个Winter Garden礼堂演出了他整个18年的剧目)。 这是经过1923年革新之后的剧院舞台、前台幕布、包厢等。这是1918年主演当时的 Passing Show的Winter Garden礼堂。 1905年建立,位于纽约城第43街和44街之间的第六大街的Hippodrome剧院的壮观布景成为美国舞台艺术的典范。[SLIDE] Hippodrome剧院占据了整个街区的位置,该剧院上演的娱乐节目都是非常有名的。剧院安装的每个设备都让当时的观众眼花缭乱,包括两个用水压机承载的42英尺 [13米]的圆形场地,如图所示。他们下面是一个60 x100英尺 [18 x 31米]的水池,可以进行各种各样的游泳和跳水表演。这个剧院可以容纳 5000个观众,在里面的消费也比较高,这个剧院在1939最后被拆除。 ahong 2006-06-20 02:01 尽管Hippodrome剧院消失了,布景设计仍然是美国娱乐事业一个主要的吸引人的地方,特别是百老汇音乐剧。 [SLIDE] 歌剧院的幽灵 是1988年首演的,到现在仍在演出,仅仅因为它壮观的舞台美术继续吸引着无数的观众,还包括每场演出都有各种各样的装饰灯来点缀舞台地面。[SLIDE] 虽然几年前这个剧院也关闭了, 西贡小姐是另一部因为它漂亮的场景效果而著名的音乐剧。 虽然主演的是著名演员 Jonathan Pryce,如图所示,很多观众都是为了欣赏在从西贡离开的时候直升飞机登陆舞台的场面而买票的。虽然舞台布景非常简单――飞机的螺旋桨是用网球系在绳子的一端而做成的――观众每次看到这里的时候都为这精心制作的场面发出叫绝的呼声。现实主义现实主义出现于18世纪末期的现代主义欧洲剧作家的创作,这也是探索当时社会工业革命的心里和社会分支的一种方法。整个世界在不断的变化,一些剧作家,如易卜生、 Strindberg, 契诃夫,肖伯纳,还有一大群模仿者,感到有必要将现代生活的新挑战和复杂性 体现于舞台上面。为了适应这种写作的新模式,舞台美术家也做出了相应的回映。主要是运用以前流行的包厢布景,设计师们熟练的为这些新的三维的具有丰富特征的剧目创造了人们认可的舞台生活空间。舞台艺术和机械设备的完美结合给人们提供了更加精细的细节,并使得布景成为真实的的环境,其真实性令观众感到惊讶。趋于现实主义的潮流其实早在几年前就已经在情节剧里面开始了,当时的情节剧主要集中体现工人阶级涌入城市工厂工作造成的城市的贫困现象。 Charles Witham,我们还记得他为Booth的剧院设计的舞台效果,他在现实主义场景布置方面早早的尝试采用了他大量的技能。 [SLIDE] 他创造的这个非常现实的设计是为Edward Harrigan 1886的现实主义喜剧The Leather Patch而设计的。很快,人们对自然主义布景的狂热逐步扩展,最后在DAVid Belasco 1912年的作品The Governors Lady 到达顶峰。[SLIDE] 作为剧院老板、剧作家和设计师的Belasco,无可置疑的成为美国自然主义的鼻祖,在这部作品上超常发挥他的才能,他在舞台上面的墙面、屋顶、柜台、椅凳和厨房用具等都模仿了一个Childs饭店的内部结构。他租用了饭店的连锁店来存储用于舞台演出的时候要用的食物。在Belasco之后,舞台设计师们继续选择现实主义的模式,但是他们采用了更多的艺术形式和奇怪的念头,因而更加不联系实际。[SLIDE] Donald Oenslager为Kaufman和Hart喜剧You Cant Take It With You,进行的舞台设计, 是美国舞台现实主义的典型例子,这些更注重在适当的环境内提高人物特性的描写,而不是让观众因为不必要的真实性叫绝。[SLIDE] 一种更加忠实于现实生活的自然主义应用在很多的严肃剧目里面,例如由Howard Bay设计的联邦剧院工程1938的作品 One-Third of a Nation。这部活报剧体现的是19世纪30年代经济萧条时期普通美国人的情况,由 Howard Bay设计的 70英尺 [21米]的房屋布景为体现城市贫困人口的现实生活情况增添了特色。 在各种各样代表普通美国人现实主义特征的舞台环境模式中,出现了一种现实主义的新模式,叫做诗歌现实主义或者抒情现实主义。使用这种风格最著名的是Jo Mielziner,他很荣幸的为20世纪中期美国两部最重要的戏剧设计舞台布景。[SLIDE] 这两部剧是:田纳西州Williams的 《欲望街车》, 1947开演的, 和Arthur Miller的 《推销员之死》,1949年首次公演。虽然Mielziner为《欲望街车》的舞台设计被当作舞台奇迹之作而广泛传颂,事实上他为《推销员之死》所设计的布景更著名。《欲望街车》 描述的是在新奥尔良居住的Stanley 和Stella Kowalski家破烂的公寓 (Marlon Brando饰演Stanley Kowalski这个角色) [SLIDE] 在《推销员之死》的舞台设计中Mielziner将现实主义和表现主义完美的融合在一起。这是他对该剧设计的布景,这副照片更加真实的再现了当时实际的布景。 [SLIDE] Loman的房子的框架结构因为背景幕上高大的房子背景图案衬托下显得更加矮小,从而激发了幽深的、引人入胜的一种气氛。[SLIDE] 然而Mielziner的布景真正的伟大之处在于 他能够同时勾勒主人公的心理世界。而且Willy Loman通过将各种各样的场景设计 用现实主义手法 为现实空间简单的布景创造出完美的效果,场景包括一个郊外后院、一个曼哈顿餐馆、一间在波士顿的宾馆房间和一个墓地。这部剧具有创新布景的效果将影响21世纪的美国剧本创作和舞台艺术。新舞台技术Mielziner的作品在19世纪初还缺乏 新舞台技术,主要是受当时Robert Edmond Jones的设计理论影响。 与DAVid Belasco的作品和其他剧院的超现实主义舞台布景相反, Jones发明了一种简单的布景风格,只是其中可以暗示现实生活,但不是现实生活的再现。[SLIDE] 他在1915年为Anatole France的一幕剧, The Man Who Married a Dumb Wife, 的设计预示着新舞台技术的开端。他简单而多角度的布景设计,主要采用银灰色色调和黑色轮廓,这是当时那个时代的体现,这些设计在Belasco 以及与他同风格的设计师们的超自然主义布景中都用得过量。虽然受欧洲艺术剧院设计的影响很深,但Jones强调他是典型的美国专业艺术,而且他将把这些观点应用于创建一种新的美国审美观。 他在1917年预言 几年之后 美国将引领整个世界舞台技术的发展,事实上他的预言真的在后来的短短几年内就成真了。Jones的天才之举在于 他认为舞台布景应当满足的是剧目的需要,而不是仅仅为了唤起人们的注意,Jones的舞台观念成为新舞台技术的标志特征。他的风格可以理解为折衷主义,因为他的设计中没有哪两个设计是相同的或者甚至非常相似的。他主张:舞台布景不是用来看的,布景是会被人们遗忘的。戏剧是火苗,布景是使火苗燃烧更旺的空气。虽然他一直坚持着这样的信条,但总的来说,虽然他的布景很少偏离剧本内容和人物,他的布景的简单性确实赢得了观众的关注。 [SLIDE] 这是 Jones为美国剧作家尤金.欧尼尔在1924年首次公演的《榆树下的欲望》这部剧的舞台设计。如评论家Joseph Wood Krutch 在他的评论中说到, Jones在舞台布景方面持有的观点是 用单一永久的场景来展示农舍的一端,在需要使用一个或者多个房间布景的时候 去掉了墙壁部分的设计。这些舞台艺术方法都极好的吸引了观众对戏剧发生环境的注意。 Mielziner后来为《推销员之死》的设计 明显是受Jones的影响;两种形式的布景 都成功的为他们的剧中人物 提供了现实和心理上的环境,这也很好的达到了美国戏剧演出新艺术的要求。Jones大胆的打破了很多设计师传统设计方式。 Lee Simonson采用欧洲的表现主义手法为美国的表现派作家创造了非常有效的舞台布景,例如当时的表现派作家埃尔默.赖斯1923年的《加算器》The Adding Machine, 这部剧讲述的是一个叫Mr. Zero的男人,他是以帮助别人计算非常冗长的数字来谋生的,但是后来由于出现了一部应用了最新技术的加算机器,代替了他的工作,然后他为了报复谋杀了他的老板。[SLIDE] 这是关于审判这一场戏的图片,布景中歪歪斜斜的墙壁和尖尖的角度非常形象的衬托了Zero先生在控诉的时候的手指。[SLIDE] 这里描绘的是戏剧的最后一场,Zero爬到巨大的加法机器顶上的一幕。另外一位新舞台技术的设计师, Norman Bel Geddes 在欧洲设计师Adolphe Appia和Gordon Craig 的作品中找到灵感,他把他们的观点应用于独特的美国习惯用语。他最著名的恐怕是他在1924年为Max Reinhardt 的道德剧The Miracle设计的布景, [SLIDE] 为了这部道德剧,Bel Geddes将座落在纽约的世纪剧院变成为了一个庞大的像大教堂一样的环境。这是整个布景的图纸一部分,剧院的观众坐在像中世纪大教堂的聚会一样的区域里面。 [SLIDE] 这里显示的是The Miracle里面宗教裁判所的那一场戏,垂直的舞台布置结构 加上灯光和阴影相互交错的效果 给人一种庞大、神秘而又恐惧的感觉。Bel Geddes在建筑上面的布置,占据了一些观众的空间,这是引领我们进入第四种 也是最后一种舞台设计风格的预兆,我把第四种舞台设计风格叫做建筑舞台美术。 建筑舞台美术传统的19世纪的剧院舞台风格,成为百老汇和大多数美国城市剧院舞台的典范,这种风格的舞台通过舞台的建筑结构 清楚的表现了演员和观众之间的关系。演员是从装饰华丽的舞台框架里面上台,然后向观众表演某一个艺术作品。这种设计是仿效参观艺术博物馆的方式,在艺术博物馆里面的画也是同样的,画全部放在框架里面。所有的观众都是坐在固定安装在地面的观众座位上,从单一的角度去观赏舞台上的表演。他们被迫要从前面来观看演出。通常舞台前面的拱形墙前面的乐队 进一步将演员和观众分割成为两个分离的空间。Bel Geddes的设计开始打破这种传统的划分界线;在19世纪50年代和60年代 ,这些传统的风格 被新型的剧院建筑设计彻底的摧毁了,新的设计风格要求观众和演员之间形成一种新的空间关系。当然,所有这些风格在以前的埃斯库罗斯、莎士比亚、Moliere和他们的同行们的戏剧舞台上面都有见到过,后来这些风格被发觉出来 并且被20世纪的美国观众所采用。舞台建筑上面的变化带动了舞台美术方面的变化,因为旧风格的设计是由以前拱形舞台结构所决定的。通常剧院的建筑本身就是作品演出时舞台美术的一部分,这样就对演员的表演空间进行了重新定义,可以帮助观众从新的角度感受和欣赏演出。[SLIDE] 导演Tyrone Guthrie 与 设计师Tanya Moiseivitsch合作,共同设计了 一种新的剧院空间格式,以各种创新的方式表现舞台作品。他们建造了两个著名的剧院――一个是在明尼苏达州 明尼阿波利斯城市的Guthrie剧院,如图所示 ,还有一个是在加拿大安大略湖的斯特拉特福德节日剧院――在这两个剧院推行他们所谓的节日舞台艺术。 作为舞台设计师和服装设计师的Moiseivitsch, 把她的舞台设计和演出服装设计一起应用到这些剧院,剧院里面多边、阶梯结构的舞台突兀于观众席的位置,这样可以减少了大部分的场景设计,而且这种剧院建筑设计为她精心制作的演出服装 在灯光下面尽情的发挥 提供了完美的空间。 [SLIDE] 另外一种有创意的舞台设计风格就是环境设计,成为60年代剧院运动的一大特点。更多的普通剧院也想用环境设计的风格,例如根据Voltaire的小说Candide《憨第德》, 由Leonard Bernstein创作改编的音乐剧 1973年在百老汇演出的时候就是采用的这种风格。导演Harold Prince让演员和观众混杂融合在一起,整个剧院被分割成很多块空间。 [SLIDE] 竞技场风格的舞台设计,也就是圆形舞台的设计方式,也让当时的剧院有了一种复古的感觉,例如纽约的Circle in the Square剧院,它可以为满足每一部戏剧的需要,在空间上不断的重新设计。[SLIDE] 所有这些主流剧院都受五、六十年代纽约Greenwich Village的影响很深,都是把剧院舞台的东侧舞台降低。其中最著名的一个是表演车库,最开始是由导演Richard Schechner用来给她的作品进行实验演出的,而又以 表演剧团而著称。 [SLIDE] 他们最著名的作品是 69年的狄俄尼索斯Dionysus in 69 是根据欧里庇得斯的酒神巴克斯的女伴The Bacchae 改编的,演员和观众完全融合在一起,相互交流。表演车库后来由伍斯特剧团接管,伍斯特剧团是由 Schechner 的剧团发展形成的一个公司,他们同样也是充分利用各种空间作为他们的演出环境。[SLIDE] 这是一张表演契诃夫的《三姊妹》的时候的演出照片,后来剧团把这部剧改名为Brace Up!建筑结构也同样影响着百老汇设计师的工作,虽然舞台空间本身并没有任何变化,舞台设计必须结合更多的建筑方面的设计,因此标准的舞台布景比较少。 [SLIDE] Robin Wagner在1981年为音乐剧Dreamgirls《梦中女郎》 设计的布景在舞台的每一侧都放置了两个灯塔,灯塔的转动标志着时间和场景的变化。其他的布景包括楼梯、舞台设备和舞台墙面、面对观众的灯光。灯光偶尔会打到最亮,达到让观众眼花缭乱的灯光效果。

北京摄影家协会副主席李英杰有一个强烈感受,现在的摄影作品和上世纪80年代的作品相比,普遍都制作精美,但就是没有内涵,缺乏生活,更多的是美丽风光,缺乏精神的表现和对社会的关注。

一台电视晚会,能在举国关注下持续近三十年,那么不管你是否愿意,它已经不仅仅是一台晚会了,某种意义上,它还成了一种仪式、一个习俗。观众每年的期待,媒体每年的曝料、炒作,央视正月十五的春晚评奖,报纸和网上七嘴八舌的批评,所有这些,都不过构成了央视春晚仪式和风俗的一部分。

是我们没有生活吗?是生活没有给我们提供丰富的创作源泉吗?不是。 国家一级编剧马继红对此深有同感。马继红认为,作品没内涵缺生活,最主要的原因,是大家希望把人民币以正当稿费的形式尽快装进自己的腰包。比如说影视界比比皆是的重拍:先拍名著,再拍红色经典,然后拍香港的金庸戏,最后把自己拍得不错的又拿回来拍。大家的心态特别浮躁,整天都在忙,忙什么?忙项目,所谓项目是什么?这个东西是精神产品吗?是我们用心创作出来的吗?马继红这样质问自己也质问同行。

央视春晚每年真有什么不同吗?导演,舞美和化妆不,不,一般说来,大家最关注的恐怕还是看点。比方今年春晚开始前,我最期待的就是赵本山和他的徒弟们;其次是黄宏因为有马未都和春晚工作人员的冲突;再依次才是港台艺人,资深春晚明星和近年表现良好的实力派、新锐当然,我也会怀念起多年前鼎盛时期的陈佩斯、朱时茂、奇志和大兵?甚至没来成的张学友。但我知道,即使我们喜欢的那些艺人都来了,春晚还是春晚:一方面稍微让你舒服了,另一方面就肯定给你弄出些遗憾。

浮躁的不单是原创编剧、作家,还有那些成天四处赶场的演艺人士。

2010年春晚的最大亮点是舞台设计与舞蹈节目,这让人有点始料不及。虽说近四年的春晚,这两方面的制作一直在走精致化的路线。过去舞蹈节目多是作为同一大类中演唱节目和语言类节目的点缀,但今年给人的感觉,是盖住了除赵本山、黄宏、郭冬临、刘谦、李伟建、王菲这六组以外的大多数节目!不知道这与今届春晚继续沿袭以往对节目时长进行压缩的做法是否有关。当相声由舞台上的二、三十分钟浓缩为电视上的十来分钟,甚至进而演变成小品不小品、相声不相声的相声剧;当或熟悉或陌生的歌手们激情洋溢地演唱起自我腰斩的歌曲,央视春晚的决策人们该去检讨了:电视娱乐中的创新不是随心所欲,更不是去破坏那些更为悠久的舞台艺术既成的美。

本文由金沙澳门官网网址发布于艺术舞蹈,转载请注明出处:美国舞台设计发展,比节目更吸引

您可能还会对下面的文章感兴趣: