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“黑驴”为什么变成“黑马”?——话剧《驴得水》的成功之道

时间:2013年03月11日来源:《中国艺术报》作者:孙恒海

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话剧《驴得水》剧照

  3月10日,话剧《驴得水》在国话先锋剧场的演出落下帷幕,这已是该剧的第六轮演出。此时,距离它首场演出后即创造了京城小剧场戏剧的奇迹,仅过去半年多的时间。

  2012年6月,《驴得水》北京第一场演出结束后十分钟不到,对这部舞台剧的网上口碑突然被引爆,从当晚十一点一直持续到第二天凌晨,对于这部才刚刚演了一场的剧目,网上的评论已达上百条之多。几小时后,第二场票房售罄,紧接着,第三场售罄、第四场售罄……《驴得水》刚演出一半的周期,首轮票房已经卖空了。我和另一个出品人傅若岩临时决定紧急加演三场,加演场一开票,又即刻告罄。

  从事戏剧工作多年,说实话,出现这样的局面,我始料未及。

  之后我多次被问及《驴得水》是否是2012年中国商业戏剧市场的一匹票房“黑马”,我的回答是肯定的。而对于这匹“黑马”的养成,制作、剧本、团队、口碑则相互给力,一个都不能少。

  >>制作人中心制:在商业和艺术间搭建桥梁

  《驴得水》的大获全胜,是作品的成功,更是制作人中心制的成功,而此剧也让至乐汇的制作团队成为戏剧圈内“制作人中心制”的代表。优秀的剧目需要优秀的制作人,他们能够最大化地统筹各方资源,但中国目前的戏剧产业还是以导演制模式为主导,而这恰恰会造成艺术家盲目唯我的追求不接地气的艺术形式,导致戏剧逐渐失去了大量的观众。

  我一直认为“制作人中心制”是对当下以“导演中心制”为主的戏剧行业的一场重大革命。一个优秀的制作人,绝不仅仅是做一个剧团、剧目的管家,真正的制作人,要会在商业和艺术之间搭建桥梁,将两者不着痕迹地合二为一。关于艺术和商业,我将其归为三个层面:第一层面,即商业是商业,艺术是艺术;第二个层面是商业里有艺术,艺术里有商业;第三个层面是只要讲人性的,就是既商业也有艺术的。就比如说《驴得水》就既商业,也很艺术。和坚守、背叛、爱情、信仰、梦想有关的故事,是所有人都会关注的,而探讨人在特定时代中受到的冲击以及坚持等,只要表达得好,就会有市场,而根本不用去想是否足够商业。

  >>剧本:回到戏剧的最根本

  现在的戏剧市场,题材雷同、创作跟风、翻排成风,形式大于内容……如此这般的作品,举不胜举,要想让戏剧产业不断进步,内容是王道。当初《驴得水》的导演周申给我讲这个故事时,我就是被故事里貌似荒诞、实则写实的戏剧冲突打动的。作为一个制作人,选择剧本的第一方法就是看能不能触动自己,能不能触动观众。任何一个观众看完这个戏,哪怕花一秒钟来想他平时根本不会花时间想的问题,而这个问题恰恰可能是人类应该常常思考的问题,那么这个作品就成功了。

  至乐汇出品的戏剧,被热心的铁杆观众称之为“邪典戏剧”。所谓“邪典戏剧”是区别于“减压爆笑剧”的另一种幽默模式,它不是恶搞,不是泛娱乐,没有恶俗的人身攻击,有的是出人意料的冷幽默。

  和锁定家庭观众的合家欢题材不同,至乐汇的作品,比如《驴得水》《破阵子》,以及此前的《六里庄艳俗生活》和《老佛爷的爷》等,都更加具有当下感的讽刺式娱乐特征。无论荒诞剧还是历史剧,当下感是非常重要的一个观众共鸣元素。

  如今的戏剧领域,能否看懂似乎成了衡量观众品位的标准,“减压”和“恶搞”成了唯一让观众快乐的途径,而我们的舞台上“先锋主义”又喧嚣了太久,在这种时刻,《驴得水》诞生了,我们只是回归到戏剧的最根本,即讲好故事,说人话,做人事,不浮夸,不穿皇帝的新衣;讲最朴素的情感,讲相同的人性。《驴得水》不仅仅讲述正义和邪恶,而是反思邪恶本身,并且不用一个绝对的界限来划分它们。《驴得水》中关注人性、关注社会现实的“戏剧良心”,确实是这部作品最可贵之处,也是它在当下话剧舞台卓尔不群的最大原因。事实证明,“回归”才能更精准地把住观众的心理脉搏。

  >>零宣传投入,观众却成了宣传员

  让这匹不可思议的“黑驴”最终走上舞台,我们整个创作、制作的周期长达一年半之久,投入已达到一部大剧场话剧的制作成本。因为钱全花在了制作上,以至于到排练后期,几乎没有做过任何与推广剧目有关的事,在宣传推广上是完完全全的零投入。所以,《驴得水》上演后一夜之间就火了,这大大出乎了我们的意料。

  每个观众看完戏后,都变成了这部戏的宣传员和推介员。他们之所以如此喜爱这部作品,正是因为《驴得水》没有把戏剧核心的内容束之高阁,反而全部翻出来给观众看,因此,任何观众都能够明白它在说什么。加之适当的尖锐批判,令人信服的人性描述,源于生活的细腻搞笑,潜藏幽默中的酸楚反思,都是赢得大量观众肯定和推荐的重要因素。

  《驴得水》已经演到第六轮,巡演所到之处都是以票房提前售罄拉开大幕。不论是娱乐之都长沙,还是与北京戏剧观众有着截然不同审美需求的上海观众,都表现出了对这部戏的热忱。有上海观众早晨六点就到上海话剧艺术中心售票口等着抢《驴得水》的加演票,更有从外地甚至国外飞到北京、上海观演的观众,这“得水”效应可见一斑。

  >>“更好”的团队,出“更好”的作品

  《驴得水》有一个丰富、饱满、耐看的故事,而这其实是集体创作的结果。编导周申和刘露在创作过程中,先是推翻了之前被某微电影侵权的版本,在保留故事内核的基础上做了背景的修改,并很快就出了一个详尽的故事大纲。而具体到环节的处理、情节的走向,则是编导和演员们共同创作完成的。

  至乐汇团队走过最初的磨合、适应,到今天大家可以共同创作出充满智慧的好作品,我们已经一同前进了五六年之久。

  我常常说:“更好,才会更好。”第一个“更好”是指团队彼此的配合和互相的激发;第二个“更好”则是指更好的作品。

  好的创作团队必然能够做到:自主原创,吸收先进经验,结合本土特色,打造出全球本土化的作品;心中有观众,知道观众的关注点,找到与观众的共鸣点,让观众满意。而这些于至乐汇团队,既是已完成的,又是不断遵循的。

  在《驴得水》的创作过程中,整个团队对“喜剧包袱”的设计大费心思,这是这部戏能够在商业市场“所向披靡”的重要原因,同时主创团队又朝气蓬勃,敢于批判,希望在“好看”的戏里加上“有力量的东西”。

  如今,要让观众笑,似乎是所有戏剧人在思考的问题,但要让观众思考,却是一些戏剧人开始遗忘的问题。让观众笑着思考,这不仅仅关乎戏剧人的良心,也是个高难度的活儿。在这点上,《驴得水》做到了,也因此,它火了。

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“除了笑,戏剧可以给观众更多东西”

时间:2012年01月06日来源:中国艺术报作者:高艳鸽

  ■编剧应该对人类的境遇和本性尽可能生动地反映,并充满激情地描绘。

  ■戏剧的基因是编剧决定的,但是最终长成什么样是由它自己的成长过程决定的。

  ■在舞台上讲段子是饮鸩止渴的事情,对观众也是一种伤害。     

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万方、苏蓬合作话剧《有一种毒药》《报警者》剧照

  毫无疑问,和热钱拥挤的影视业相比,做戏剧是一件需要凭借理想去坚持的事情。然而戏剧舞台本身却有影像无法抵达的魅力,就如著名剧作家万方所说的,“被限制在几十平方米的空间里和两个小时内,这是戏剧的局限也是它的优势,它使你必须要有更强的力量、更大的压缩和更快的速度,这对编剧是个很有意思的挑战。”在戏剧市场日渐回暖的当下,应该给观众提供什么样的戏剧?戏剧编剧们的创作态度是什么?如何看待戏剧以及戏剧编剧的价值?这些话题均可以引发戏剧界人士不同角度的思考。

  “要相信自己写的东西”

  作为戏剧编剧,最重要的特质是什么?在万方看来,编剧首先应该是真诚的,“编剧是一个观察者、思想者,又希望自己的故事要感动观众,所以真诚很重要,要真诚地看待自己、身边的人和整个世界。”同时,她也认为编剧的写作技巧很重要,要能写好看的戏,因为戏剧是写给观众看的。从“能让观众收获什么”的角度考虑,她觉得作为编剧还应该对自己的内心和周围的人、事物怀着思考,对人类的境遇和本性尽可能生动地反映,并充满激情地描绘。

  作为编剧,史航对自己的要求是“为好的东西高兴,为坏的东西难过”,他认为编剧作为传递信息的人,要做良导体而不是不良导体。而作为编剧最重要的一点,是“相信自己写的东西”。他把编剧分为三种:“一种是大家都相信他但他什么都不信,有很多编剧都是这样的;第二种是他自己相信很多东西,但是没本事让人通过他来相信;第三种是大家相信他,他也相信大家,也能让大家通过他来相信一些事情,这类编剧值得尊敬,但是很少。”

  “创作者必须要有自己相信的东西。”万方表示认同。她追问自己:“那我相信什么呢?生命没有一个确切的定义,人生充满了不确定性,所以我相信世间所有的人做的任何事情都是有理由的,我的写作就是要寻找出他们的理由。我也希望我找到的理由,观众会认为‘原来是这样’,这样我就很满意了。”

  “我可能是一个想提出问题的编剧,一些问题总让我困惑,我会想弄清楚是怎么回事儿。”万方说。她以日前在国家大剧院上演的由她编剧的话剧《报警者》为例,“多年来我就想写一对视若仇敌的父子,这个人物关系在我心里扎下了根。我很奇怪为什么对这个话题一直不能释怀,后来我恍然大悟,我十几岁插队时看到的一种父亲对儿子极其粗暴的父子关系给我留下了深刻印象,一直放不下。”她通过这部戏的创作来思考亲人之间的关系:“我相信亲人之间都会有彼此痛恨的时刻。父母和子女之间的爱是天经地义的,没有谁天生和父母是仇敌,但是爱不一定能换回爱,也可能换会恨。我愿意写得狠一点,把这种关系推到极致。”

  编剧要强势还是甘于弱势?

  如今中国编剧的整体生存环境并不乐观,这个职业多数时候是隐居幕后的,荣耀和光环属于导演和演员。作为一剧之本的作者,其权益却常常得不到保障,在整个作品的创作生产过程中处于弱势地位,突出表现在剧本可能会被二度创作的导演和其他相关人士删改得面目全非。

  对于这个问题,史航并不是特别在意,他说自己不是强势编剧,“我是双鱼座,双鱼座是什么特征呢?一缸水或者一杯水,我都能在里面游泳。我给你一个剧本,哪怕你删得只剩一半了,只要还能传递我的想法就ok。如果我因为这个跟导演较劲,就耽误了自己。”

  “我认为史航一定要强势起来。”万方说,她是个不甘于弱势的编剧,“原创是很难的工作,因为它是‘无中生有’的。剧本是编剧把它生出来的,编剧对它是最了解的。”而且在她看来,对于话剧来说,剧本是起决定作用的,一部戏是否好看,剧本的作用能起到80%以上。所以她觉得一个好本子如果能遇到一个和编剧想法一样的导演,“对编剧、制作团队和观众来说都是幸事。”

  那么,导演如何看待编剧的作用和位置?话剧导演苏蓬打了一个比喻:“剧本就像母亲生的一个儿子,但是母亲不一定是最了解儿子的人。在儿子的成长过程中,一定会遇到更了解他的人,比如配偶或红颜知己,或过命交心的朋友。但不管是谁,大家都是希望他更好。”换到话剧上,就是“导演、编剧、制作人,如果是真正的志同道合的人,都是会为戏考虑的,只是每个人考虑问题的角度可能不一样。”

  所以他不认为一部戏最终呈现的就是编剧最初的剧本,“它的基因是编剧决定的,但是最终长成什么样是由它自己的成长过程决定的。”他相信一个好戏有自己的生命力和成长过程,在这个过程中会吸引更多人才参与对它的再创造。

  段子加段子不是戏

  近两年,爆笑和减压成为不少小剧场话剧的关键词,这些娱乐化和商业化的话剧,以迎合部分年轻观众口味为目的,用一个个网络段子串成一部戏,美其名曰“通过搞笑为都市白领解压”。

  对此,万方认为,戏剧让观众笑,是应该的,但是仅仅以让观众笑作为做戏的目的,这是小瞧了戏剧的手段,因为戏剧可以给观众更多的东西。“什么是减压?哈哈一笑可以减压,但是听一场音乐会或者看一场让人流泪的话剧,也是一种减压。”她说。

  “就像好多奥拓串起来也变不了奥迪一样。”史航这样比喻用段子堆积成的爆笑剧。在他看来,段子加段子肯定不是戏,因为段子和段子之间是会冷场的。有很多创作者以一部话剧观众一共笑了多少次来作为衡量演出成功与否的标准,他认为这种“数字控”表现的是创作者的焦虑,“因为剧场一旦安静下来他们就会不知所措。”他提醒创作者们想想观众,“他们把生命中的一两个小时交给你的一部戏,而你只是让他们笑。问题的关键是他们第二天是否还能想起来自己为什么笑,并且不为此感到羞耻?”“在舞台上讲段子是饮鸩止渴的事情。”他说,“这种使用方式对段子是一种伤害,对观众也是一种伤害。”

  在万方看来,对于戏剧来说,来自观众的最有力的反应不是笑声而是寂静,因为只有寂静才是直达心灵的。作为导演,苏蓬也很迷恋一个剧场的安静,他甚至反感嘈杂和混乱,“如果观众在笑或者交谈,说明你的戏没把他们抓住”,他想达到的目的是引发观众思考,“即便他们能坐在那里思考一分钟或几秒钟,我就很幸福。”

  然而当艺术遭遇商业时,总会面临一些尴尬。著名戏剧制作人孙恒海说,外地的演出商在接洽一部戏时,都会问他一个相同的问题:“这戏好笑吗?”他不得不狡猾地回答他们:“这戏是悲喜剧。”所以,即便他也喜欢剧场的寂静,但是作为制作人,如果迷恋这种寂静,“民营剧团可能顶不住”。

  上海展演海报

  人民网北京2月26日电 受北京人艺之邀,上海话剧艺术中心将于3月13日至3月31日携三部具有海派特色的精品剧目“做客”人艺。此次亮相“2013首都剧场精品剧目邀请展演”的三部作品分别为阿加莎·克里斯蒂经典法庭大戏《原告证人》、原创舞台剧《资本·论》、原创小剧场话剧《活性炭》。

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  《原告证人》北京展演海报

  阿加莎经典法庭大戏《原告证人》 再现纯正英式法庭

  上海话剧界的“阿婆热”从未停止过。由上海话剧艺术中心和捕鼠器戏剧工作室联手打造的一系列阿加莎·克里斯蒂话剧在上海长演不衰。去年,由青年导演林奕执导的《原告证人》被搬上上海的舞台,这也是该系列话剧规模最大的一部话剧,从主演到群众演员共有38位演员同时出现在逼真的法庭,在舞台上震撼重现纯正的英式法庭。观众评论:“一部让我鼓掌20次,每次持续半分钟以上的话剧”、“理智与情感并存,辩论与怀疑交织,一部让人看得过瘾,猜得到开头猜不到结局”。

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